domingo, 6 de setembro de 2009

História do cordel através dos versos

Conheça a história do cordel através dos versos.




O CORDEL: SUA HISTÓRIA, SEUS VALORES
Autores: Marco Haurélio e João Gomes de Sá




No Nordeste brasileiro,
Conservados na memória,


Romances, contos e xácaras

Lembravam a antiga glória

De Portugal e da Espanha,

De que nos fala a História.




Era esse o tempo das gestas

Dos cavaleiros andantes,

E essa poesia rude
Dos bardos itinerantes
Foi trazida para a América


No bojo dos navegantes.




Essa poesia foi
Cantada pelos jograis,


Celebrando os grandes feito

Dos heróis medievais

E também falando sobre

Romances sentimentais.




E quando começa o ciclo

Das Grandes Navegações

De Portugal e da Espanha,

As antigas tradições

Vão se acomodando aos poucos

Pelas novas possessões.




No Brasil, as tradições

Assim vão se fixando,

Com as levas de colonos

Nas caravelas chegando,

As regiões litorâneas

Vão pouco a pouco tomando.




O índio, dono da terra,

Pra não ser escravizado,

Vivendo no litoral

E se sentindo acossado,

Resiste, contudo vê

O seu esforço baldado.






Da África chegam os navios

Dos traficantes negreiros,

Que tornarão em escravos

Os que antes eram guerreiros

E que agora vão servir

À sanha dos fazendeiros.




As etnias e as crenças

São assim amalgamadas

E a cultura popular

Vai recebendo camadas,

Que em todos os segmentos

Até hoje são notadas.




Eis um resumo apressado,

Contudo bem consistente

Para mostrar que a arte

Não brota espontaneamente,

E com o nosso cordel

Também não é diferente.




No Brasil colonial

Um embrião já havia

Do cordel na conhecida

Tradicional poesia,

Ou mesmo na catequese

Que a Igreja promovia.




Excertos da tradição

Que no cordel se encerra

Estão na obra do vate

Gregório de Matos Guerra,

Que foi o maior dos sátiros
À habitar esta terra.




Já no século XIX,

No Brasil imperial,

Resistia a escravidão

Um desnecessário mal.

Esse regime abjeto

Na pena teve um rival.


Foi o bardo Castro Alves,

Grande poeta baiano,

Que na arte que abraçou

No Brasil é soberano,

Lutando contra a injustiça,

No verso se fez arcano.




O grande Gonçalves Dias,

Dos termos do Maranhão,

Compôs na velha linguagem

Sextilhas de Frei Antão.

Portanto, também está

Na linha de evolução.




Porém é da pequenina

Paraíba o privilégio

De ver nascer o poeta

Que empunha o cetro régio

Da poesia do povo,

Templo majestoso, egrégio.




Leandro Gomes de Barros

É o nome do menestrel

Que deu forma e deu essência

Ao que chamamos cordel,

Que da tradição oral

Migrava para o papel.




Grande poeta satírico

E lírico maravilhoso,

Escreveu obras eternas

Como O Boi Misterioso,

E A Donzela Teodora,

De modo criterioso.




De sua lavra saíram

O Reino da Pedra Fina

Também O Príncipe e a Fada,

Que são Baman e Gercina

E o clássico inigualável

Chamado Alonso e Marina.




Outro grande pioneiro

É Silvino Pirauá,

E entre ele e Leandro

Sempre se perguntará

Quem foi que editou primeiro,

E a dúvida persistirá.



Pirauá era de Patos

E Leandro de Pombal.

Ambos vão pra o Recife

E lá se encontram afinal,

Onde Pirauá se mostra

Um cantador genial.


Pirauá introduziu


Na cantoria a sextilha,


Também inventou a deixa,


Que foi uma maravilha.


É por isso que seu nome


Entre os pioneiros brilha.




O Capitão do Navio

É a ele atribuído

E Zezinho e Mariquinha,

Outro folheto querido,

Da memória popular

Nunca mais foi esquecido.




Também entre os pioneiros

Deve ser mencionado

José Galdino, o Zé Duda,

Poeta bem inspirado,

Repentista e de bancada,

Nos dois gêneros afamado.




E Pacífico Pacato

Cordeiro Manso também

Um poeta alagoano,

Que nunca usou de desdém,

Foi um poeta-repórter

Como os que hoje inda tem.




João Melquíades Ferreira

Dedicou-se à cantoria

E no cordel escreveu

O Valente Zé Garcia.

Severino Milanês

Versava com maestria.




E João Martins de Athayde

No cordel foi professor.

Quando Leandro morreu,

Ele tornou-se editor,

Comprando a obra do mestre

Por irrisório valor.




E por quase trinta anos

Escreveu e editou.

Delarme, um jovem tipógrafo,

Que Athayde contratou,

Aprendeu tanto a lição

Que ao próprio mestre ensinou.




Em Recife, onde Leandro

Antes se havia instalado,

Athayde radicou-se

Como editor afamado,

Até por Mário de Andrade

Foi bastante elogiado.




Porém, antes de Athayde,

Na Parahyba do Norte,

Francisco Chagas Batista

Ao cordel dava suporte,

Transformando Guarabira

Num centro difusor forte.




Compôs com Leandro a gesta

Do grande Antônio Silvino,

Que antes de Lampião –

Batizado Virgulino –

Tonou-se o mais afamado

Cangaceiro nordestino.




Chagas Batista, porém,

Sobressaiu-se aos seus pares

Quando escreveu Cantadores

E Poetas Populares,

Que como estudo se mostra

Grande entre seus similares.




José Camelo de Melo

Foi poeta imaginoso.

É o autor do Romance

Do Pavão Misterioso,

O Bom Pai e o Mau Filho,

Outro clássico valoroso...




A Verdadeira História

De Joãozinho e Mariquinha,

Coco Verde e Melancia,

Também Pedrinho e Julinha.

Poeta igual Zé Camelo

Naquele tempo não tinha.




Joaquim Batista de Sena

No verso foi magistral,

Era um editor regido

Pelo espírito fraternal.

A Filha Noiva do Pai

É um título genial.




Neste momento voltamos

A falar de Athayde,

Que no final dos 40,

Já alquebrado, decide

Vender a José Bernardo

Os frutos de sua lide.




José Bernardo da Silva,

Um grande empreendedor,

Que em Juazeiro do Norte

Tornar-se-ia editor,

Pois era de Padre Cícero,

Um sincero seguidor.




Zé Bernardo, alagoano

Radicado em Juazeiro

Com sua tipografia

Naquele grande celeiro

Tornou-se uma referência

Para o cordel brasileiro.




Mesmo no Norte, o cordel

Teve um momento brilhante

Com a célebre Guajarina

Fundada por um migrante

Nordestino no Pará,

Num tempo que vai distante.




Francisco Lopes, nascido

No solo pernambucano,

Em Belém, na Guajarina,

Já no décimo quarto ano

Do século que se findou,

Foi quem reinou soberano.




No Norte editou folhetos

Do poeta genial

Piauiense, Firmino

Teixeira do Amaral,

Que nas pelejas forjadas

Jamais encontrou rival.




Pois colocou frente a frente

Num incrível baticum

O Cego Aderaldo com

Zé Pretinho do Tucum,

Mas sendo este fictício,

Foi um duelo incomum.




Luís da Costa Pinheiro

É outro bardo editado

Em Belém por Chico Lopes,

E até hoje é procurado

Seu romance

O Papagaio Misterioso falado.




Manoel Camilo dos Santos

Também se destacaria

Em Guarabira e Campina,

Na Estrella da Poesia;

O país São Saruê

Descreveu com galhardia.




Em Recife inda surgiu

Outra editora de porte

Porque João José da Silva

Dirigiu e deu suporte

À tipografia que

Chamou Luzeiro do Norte.




Poetas dos mais famosos

Nela foram publicados.

José Camelo de Melo,

Dos mais reverenciados,

Na Casa de João José

Teve livros editados.




Severino Borges Silva

Compôs obras geniais.

O Verdadeiro Romance

Do Herói João de Calais

Deixou seu nome gravado

No Livro dos Imortais.




Inda é autor dA Princesa

Do reino do Mar Sem Fim.

Caetano Cosme da Silva,

Guiado por Eloim,

Fez O Assassino da Honra

Ou A Louca do Jardim.




Manoel Pereira Sobrinho

Teve grande projeção,

Pois Dimas e Madalena,

Rosinha e Sebastião

E Helena, a Virgem dos Sonhos,

Entre os clássicos estão.




Vamos citar Zé Faustino,

Apolinário Pereira

Severino Milanês

E Cirilo de Oliveira,

Manoel Cândido da Silva,

Trovadores de primeira.



Mas o cordel vicejou

Muito além da Paraíba,

Pois em Sergipe há nomes

Que nem o tempo derruba

Como Sátyro Xavier

E o Trovador Cotinguiba.




Do imortal Zé Pacheco

Consta no nosso caderno

A Princesa Rosamunda.

E outro clássico eterno

É o folheto A Chegada

De Lampião no Inferno.




Francisco Sales Arêda

Jamais fez um verso atoa

Versou sobre Malazarte

E fez com prosódia boa

O Romance de João Besta

E a Jia da Lagoa.




Já João Ferreira de Lima

Fez história no sertão.

As Proezas de João Grilo,

Sua maior criação,

Se situa ao lado de

José de Souza Leão.




Na Paraíba nascido,

Em Sergipe radicado,

Manoel D’Almeida Filho

Sempre é reverenciado,

Como um dos grandes valores

Que editaram no passado.






À Editora Luzeiro

Servia de consultor,

Vendeu milhões de exemplares,

Como grande trovador,

E é referência pra muitos

Que admiram seu valor.




A Luzeiro a quem Almeida

Dedicou o seu talento,

Surgiu em 73,

Mas foi um desdobramento

Da Editora Prelúdio,

Nascida noutro momento




A Tipografia Souza

Por um português fundada

Em Editora Prelúdio

Nos 50 é transformada.

Arlindo Pinto de Souza

Lidera a nova empreitada.




Com Antônio Teodoro

Dos Santos cresce o cordel

Na capital bandeirante,

Cumprindo um outro papel

Diferente no formato,

Mas à essência fiel.




Teodoro era baiano,

Assim como Minelvino,

Que vê sua obra no centro

Editorial sulino

Alçar vôo considerável,

Além do chão nordestino.




De Alagoas pra Bahia

Vem Rodolfo Cavalcante.

Era poeta de méritos,

Porém nunca foi brilhante,

Mas como líder da classe

Foi ele o mais importante.




Organizando congressos,

Criando agremiações,

Rodolfo batalhou sempre

Por melhores condições

Pra os poetas que inda hoje

Aplaudem suas ações.




Citemos Antônio Eugênio,

Por dever e por estima,

O grande Apolônio Alves

E Natanael de Lima,

Que ao lado dos outros mestres

Estão no andar de cima.




Cuíca de Santo Amaro

Foi um mau versejador,

Sempre de fraque e cartola,

Nas ruas de Salvador,

Fez do sensacionalismo

O seu mote propulsor.




Grande poeta e xilógrafo

É mestre Enéias Tavares,

Também Cícero Vieira,

Entre os vates populares,

Escreveu obras de peso,

Que inda vendem aos milhares.




Dos xilógrafos que escrevem,

Dila se inclui entre os tais,

J. Borges em Bezerros

É conhecido demais.

Antônio Lucena dorme

O sono dos imortais.




Já João Firmino Cabral,

Poeta conceituado,

Por Gregório Nicoló

Na Luzeiro é editado.

E de Manoel D’Almeida

É seguidor declarado.




Desta geração lendária

Brilha Manoel Monteiro.

Mestre Azulão é arauto

Lá no Rio de Janeiro,

Costa Leite é xilógrafo

Famoso no mundo inteiro.




Em São Paulo Jota Barros

Foi peça muito importante;

Em Patos, Antônio Américo

É verdadeiro gigante.

Na Bahia, Antônio Alves

É estrela fulgurante.




Também Gonçalo Ferreira,

Unindo a experiência

Ao saber adquirido

E à inata inteligência,

Divulga nos seus folhetosI

Informação e ciência.




Preside a Academia Brasileira de Cordel –

Por sigla ABLC –

Recanto do menestrel,

Onde todos são bem vindos,

Do mascate

ao bacharel.




Filho de Francisco Chagas,

Pioneiro cordelista,

Em Anápolis reside

O Paulo Nunes Batista,

Autor de Zé Bico Doce

E brilhante ABCdista.




O cordel está presente

No centro-sul do país

Na arte de Cícero Pedro

E do maranhense Assis,

Costa Senna e Cacá Lopes,

Fazendo o povo feliz.




Moreira de Acopiara

É cordelista aclamado;

E Sebastião Marinho,

Paraibano arretado,

Valdeck de Garanhuns,

Mamulengueiro afamado.




Da novíssima geração

Sobressaem no momento

O jovem Jenerson Alves

E Varneci Nascimento.

Fazem crítica social,

Com muito discernimento.




No Rio, Marcus Lucena

É músico e cordelista;

Bráulio Tavares, poeta,

Escritor e ensaísta;

Chico Salles faz cordel

E é um grande sambista.




Marcelo Soares deve

Ser citado com louvor,

Porque no verso faz arte

E na xilo é professor.

Filho de José Soares,

Respeitado trovador.




Fazendo história na terra

Do velho cego Aderaldo,

Surgiu a Tupynanquim

Com elenco de respaldo:

Rouxinol do Rinaré,

Com Klévisson e Arievaldo.




O Evaristo Geraldo

É irmão de Rinaré.

No Ceará também brilham

Gonzaga de Canindé,

E Pedro Paulo Paulino,

Em quem pomos muita fé.




Zé Maria em Fortaleza,

Cordelista e cantador,

Geraldo Amâncio Pereira

Dispensa apresentador,

O poeta Vidal Santos

É outro batalhador.




O Rio Grande do Norte

Volta a seus dias de glória,

Pois lá Antônio Francisco

Há anos já faz história

E Luiz Campos também

Traça bela trajetória.




Mas as mulheres também

No cordel marcam presença:

Maria Ilza Bezerra

Escreve debate e pensa

Como Clotilde Tavares,

Que tem verve e tem sabença.




Duas outras editoras

Fazem bonito papel:

Queima-Bucha em Mossoró

Dignifica o cordel;

E a Coqueiro no Recife

À nossa arte é fiel.




Já o autor deste folheto

É natural da Bahia.

O seu nome é Marco Haurélio,

Um servo da poesia,

Que em palestras e oficinas

Aos mestres reverencia.




João Gomes, que é da obra

Grande colaborador,

Xilógrafo alagoano,

Poeta, pesquisador,

Premiado teatrólogo,

Músico e compositor.




Desde já agradecemos

Pela sua paciência

Ou mesmo a sua leitura,

Porque temos consciência

Sem leitor não há cordel

E o prêmio do menestrel

É sua honrosa audiência.




(postado por Marina n°24, 6ªD)

Ignácio de Loyola Brandão


Ignácio de Loyola Brandão










Nasceu no dia 31 de julho de 1936, em Araraquara- São Paulo, dia de Santo Ignácio de Loyola. Filho de Antônio Maria Brandão e Maria do Rosário Brandão. Seu pai Antônio incentivou-o a ler e montou uma biblioteca com mais de 500 volumes.
Ignácio, em 1948, quando cursava o ginásio, escreveu seu primeiro romance num caderno, com o título de “Dias de Glória”.
A folha ferroviária publicou no dia 16 de agosto 1952 uma crítica do filme “Rodolfo Valentino”, primeiro texto de Ignácio. A partir daí, Ignácio escreveu reportagens, críticas de cinema e entrevistas. Em 1953, Ignácio viajou para a Itália, onde pretendia trabalhar como roteirista em Cinecittá.
Em 1956, mudou-se para São Paulo e trabalhou no jornal Última Hora por nove anos. Seu gosto pelo cinema fez com que participasse como figurante de O Pagador De Promessas. No Brasil, começou a escrever o romance “Os imigrantes” com seu amigo José Celso Martines Correa.
Em 1965, lança seu primeiro livro: “Depois do sol” (contos).
Em 1968, ocorre o lançamento do seu primeiro romance: “Bebel que a cidade comeu”. Esse romance foi para o cinema com o roteiro do próprio Ignácio. Também nesse ano recebe um prêmio e sua mãe falece aos 60 anos.
Em 1970, Ignácio casou-se com Maria Beatriz Braga (psicóloga) e trabalhou em mais duas revistas.
Em 1974 escreveu o romance “A inauguração da morte”.
Em 1975 escreveu o livro “Zero” que no ano seguinte recebe o prêmio de melhor ficção que foi censurado em novembro do mesmo ano. Em 1977 Ignácio lança “Cães Danados” (infanto-juvenil). Em 78 escreve “Cubas de Fidel” e no ano seguinte o livro “Zero” é liberado da censura.
Em 1981 sai o romance “Não verás país nenhum”.
Em 1984 lança “O verde violentou o muro” e assume a vice-presidência da união brasileira de escritores onde permaneceu até 1986.
Como diretor da revista Vogue, Ignácio volta ao jornalismo, em 1990.
Em 1993, começa a escrever uma crônica no caderno "Cidades" de "O Estado de São Paulo" que, a partir de 2000, seria transferida para o "Caderno 2". Seu pai falece, aos 88 anos.
Em 1996 descobre um aneurisma cerebral e faz um a cirurgia.
Em 1998 publica “Sonhando com o demônio”, seu terceiro livro de crônicas.
Além das obras divulgadas há muitas mais para serem exploradas.
Suas principais obras.
Contos:Depois do sol, Brasiliense, 1965Pega ele, Silêncio, Símbolo, 1976Cadeiras proibidas, Símbolo, 1976Cabeças de segunda-feira, Codecri, 1983O homem do furo na mão, Ática, 1987O homem que odiava segunda-feira, Global, 1999
Romances:Bebel que a cidade comeu, Brasiliense, 1968Zero, Brasília/Rio, 1975Dentes ao sol, Brasília/Rio, 1976Não verás país nenhum, Codecri, 1981O beijo não vem da boca, Global, 1985O ganhador, Glogal, 1987O anjo do adeus, Global, 1995
Infanto-juvenis:Cães danados, Belo Horizonte Comunicações, 1977. Reescrito e publicado com o título "O menino que não teve medo do medo", Global, 1995.O homem que espalhou o deserto, Ground, 1989
Viagens:Cuba de Fidel: viagem à ilha proibida, Livraria Cultura, 1978O verde violentou o muro, Global, 1984
Relatos autobiográficos:Oh-ja-ja-ja (Diário de Berlim, inédito em português). Tradução de Henry Thorau. LCB, 1982Veia bailarina, Global, 1997
Cartilha:Manifesto verde, Círculo do Livro, 1985 e Ground, 1989
Crônicas:A rua de nomes no ar, Círculo do Livro, 1988Strip-tease de Gilda, Fundação Memorial da América Latina, 1995Sonhando com o demônio, Mercado Aberto, 1998
Referências bibliográficas:
http://www.releituras.com/ilbrandao_bio.asp
www.wikipedia.com



(postado por Letícia A. n°15, 6ª D)

Ariano Suassuna

Ariano Suassuna




Ariano Suassuna nasceu em 16 de junho de 1927, atualmente a cidade de João Pessoa, Pernambuco. O seu pai exercia o mandato de Presidente do estado, hoje equivalente a governador. Quanto Ariano Suassuna tinha 3 anos de idade, seu pai deputado federal é assassinado durante a Revolução de 1930. Ele passa grande parte da sua infância no sertão paraibano, primeiro em seu sitio e depois se mudou para Taperóa. Como forma de evitar inimigos, a família de Suassuna mudava-se constantemente. Em 1934 ele começa os seus estudos no Recife e ao terminar o curso Clássico, começa o curso de Direito em 1946 e une-se ao grupo de Teatro do Estudante Pernambuco (TEP), responsáveis pela revalorização da cultura brasileira. De 1946 a 1948 tem seus poemas publicados em revistas e suplementos de jornais. Estes poemas eram ligados ao Romanceiro Popular Nordestino, universo de poemas que inclui desde a poesia improvisada dos cantadores à Literatura de Cordel. Em 1947 escreve sua primeira peça "Uma mulher vestida de sol" e em 1951 ao voltar para Taperóa para curar do pulmão, escreve e encena, com mamulengos, “ Em Boca Fechada não Entra Mosquito” Esta peça é extremamente importante no teatro de Suassuna. Em 1955 escreve um de seus maiores sucessos "Auto da Compadecida". Em 1957 o “Auto da Compadecida” no Rio de Janeiro durante o Primeiro Festival de Amadores Nacionais, Suassuna já era considerado um dos nossos maiores dramaturgos. Esta peça foi premiada com a Medalha de Ouro da Associação Brasileira de Crí­ticos Teatrais e neste ano é publicada em livro. Neste ano ainda casa-se com Zélia Lima e tem 6 filhos com ela. Ao voltar a escrever, publica a"d’A Pedra do Reino e o Príncipe do Sangue do Vai-e-Volta". Já famoso, cria o Teatro Popular do Nordeste, ao lado de Emilio Borba Filho. Publicou depois "O Santo e a Porca", ele já era Membro fundador do Conselho Nacional de Cultura; Diretor do Departamento de Extensão Cultural da Universidade Federal de Pernambuco e começou o movimento criação de uma arte erudita nordestina a partir de suas raízes populares. Com um concerto "Três séculos de música nordestina — do Barroco ao Armorial" — e uma exposição de gravuras, pinturas e esculturas, lança no Recife, em 18 de outubro, o Movimento Armorial. Em 1971, lançou "A Pedra do Reino" e passado um ano ele ganha Prêmio Nacional de Ficção do Instituto Nacional do Livro, No ano de 1990 ele toma posse da cadeira 32 da Academia Brasileira de Letras. Em São José do Belmonte realiza uma cavalgada sobre a Pedra do Reino no qual os participantes deveriam usar trajes como os do romance. Em 1995 é nomeado o secretário estadual da Cultura, pelo governador Miguel Arraes. No Teatro do Parque, No Recife estréia a séria "Grande Cantoria", aula que junta violeiros e repentistas. Depois a sua peça "A história de amor de Romeu e Julieta" é publicada num encarte da "Folha de São Paulo". Em 1998 participa do seu CD "A poesia viva de Ariano Suassuna". O seu grande sucesso "O Auto da Compadecida" vira uma minissérie na Rede Globo, em 1999. Ele também recebe o título de doutor honoris pela Universidade Federal do Rio Grande do Norte.Ele toma posse agora da cadeira 35 da Academia Paraibana de Letras. Aos 80 anos houve uma grande comemoração pelo Brasil inteiro pela magnitude de seu trabalho.








O Auto da Compadecida é uma reunião de três peças :



O enterro do cachorro,
O cavalo que defecava e
O castigo da soberba.
A peça divide-se em quatro atos que se relacionam e foi publicada em 1955. O título: Auto, significa teatro, gênero dramático, aproximando-se do teatro espanhol medieval do século XVII, com personagens alegóricos. Compadecida é aquela que tem pena, compaixão diante da dor alheia, em uma referência à Nossa Senhora. Era comum apresentar nas peças os milagres de Nossa Senhora. A história é contada em prosa. O cenário é o sertão da Paraíba, na cidade de Taperoá, contando as histórias e casos populares nordestinos. Com muito humor, o autor fala da miséria humana, da mesquinharia das pessoas, do racismo e da luta pelo poder. Revela os costumes regionais, o caráter religioso e católico dos cristãos e a amizade entre João Grilo e Chico. São dezesseis personagens, sendo João Grilo, o personagem principal. A história acontece em um picadeiro de circo. O apresentador é um palhaço, o próprio autor. Ele lembra as peças medievais e seu principal papel é criticar a sociedade. João Grilo é o herói sem caráter, símbolo da malandragem. Pode ser comparado a Macunaíma, personagem de Mário de Andrade e a Leonardo, do livro Memórias de um sargento de milícias. A linguagem é simples. Não é apenas coloquial, mistura o vocabulário nordestino pois é o Nordeste e sua gente que Ariano quer retratar. Hoje o Brasil reverencia esse paraibano que tão bem caracterizou o Nordeste, seu sertão e a luta do seu povo
.




Acervo Ariano

Obras de Ariano Suassuna
Auto da compadecida

d’A pedra do reino e o príncipe do vai-e- volta
O santo e a porca
Farsa da boa preguiça
Uma mulher vestida de sol
A Moça Caetana

A morte sertaneja



(postado por Alessandra n° 1 6D)

Maria Bonomi


Maria Bonomi







Maria Anna Olga Luiza Bonomi (Meina, Itália, 8 de julho de 1935) é uma renomada artista plástica ítalo-brasileira.
Gravadora, escultora, pintora, muralista, curadora, figurinista, cenógrafa e professora, Maria Bonomi veio para o Brasil em 1946, fixando-se em São Paulo. É neta de Giuseppe Martinelli, construtor do primeiro arranha-céu da América Latina, o Edifício Martinelli, datado de 1929.







No início da década de 1950, estudou pintura e desenho com Yolanda Mohalyi e Karl Plattner (1919 - 1989). Em 1954, inicia-se na gravura, com Lívio Abramo.



Realizou sua primeira exposição individual em 1956, no Museu de Arte Moderna de São Paulo. São 58 obras entre monografias e xilogravuras.





Em 1958, recebe uma bolsa de estudos da Ingram-Merrill Foundation e estuda no Pratt Institute Graphics Center, em Nova York. Paralelamente, na Columbia University, estuda gravura e teoria da arte. Neste mesmo ano faz sua primeira exposição individual em N. York na Roland de Aenlle Gallery.
De volta ao Brasil, em 1959, freqüenta a oficina de
gravura em metal de Johnny Friedlaender (1912 - 1992), no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ.
Em
1960, em São Paulo, funda o Estúdio Gravura, com Lívio Abramo, de quem foi assistente até 1964.
A partir dos
anos 1970, passa a dedicar-se também à escultura. Produz também grandes painéis para espaços públicos.
Em 1974, ela inicia seu primeiro projeto de Arte Pública com o altar da igreja Mãe do Salvador e seguem-se a esse projeto, os painéis do edifício Jorge Rizkallah Jorge e Esporte Clube Sírio.
Maria Bonomi cria para o Hotel Maksoud Plaza, em São Paulo os painéis Arrozal de Bengüet, nos quais reproduz no concreto os sulcos da matriz em madeira. Pela obra, recebe o Grande Prêmio da Crítica de 1979, concedido pela APCA.



Maksoud Plaza

Além de São Paulo, seguem-se obras em Manaus (1983) e em Santiago do Chile (1984).
No Memorial da América Latina ainda em construção, Bonomi ergue o painel Futura Memória. Nele, inscreve tradições míticas latino-americanas que se estendem por todo o continente.





Em parceria com o Governo do Estado de São Paulo, a artista desenvolve diversos projetos. Para o Jardim do Arquivo do Estado de São Paulo, realiza a escultura Páginas, instalada em 1997.



Na estação de metrô Jardim São Paulo, dois cubos em concreto celebram a cidade e aqueles que a construíram: Construção de São Paulo data de 1998.




Nesse mesmo ano, realiza ainda dois painéis para o Palácio Bandeirantes: Imigração e Substituição, fundidos em latão e alumínio
Em
1999, defende sua tese de doutorado Arte Pública. Sistema Expressivo/Anterioridade, na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo - ECA/USP. [1]
A artista foi uma das personagens reais retratadas pelos autores
Alcides Nogueira e Maria Adelaide Amaral na minissérie Um Só Coração, exibida em 2003 pela Rede Globo, tendo sido interpretada pela atriz Maria Luísa Mendonça.
Em fins de 2004, conclui painel em concreto para a Estação da Luz,










Epopéia Paulista, que narra a história das imigrações à cidade de São Paulo a partir de objetos recolhidos, ao longo de cem anos, pela seção de achados e perdidos da Estação. A empreitada conta com a integração de diversas pessoas, entre artistas e interessados em arte, que participaram do ateliê coletivo instalado no MAC-USP, a fim de gravar as matrizes de madeira que serviram como moldes da obra.


Atualmente, sob reconhecimento de Oscar Niemeyer, arquiteto maior do Brasil, Maria Bonomi desenvolve o painel Etnias: do Primeiro e Sempre Brasil,








obra de arte pública interativa, projetada para o túnel que interliga o Memorial da América Latina à estação Barra Funda. São mais de 50 placas de cerâmica, bronze e alumínio, gravadas em argila, que narram a verdadeira história dos índios brasileiros por meio de uma vasta iconografia de viajantes dos séculos passados e de gravações realizadas pelos próprios remanescentes dos índios Tupi-Guaranis e outras etnias.

(postado por Talita n° 30, 6ª D)

Fontes:
http://www.itaucultural.org.br
Link:
http://www.mariabonomi.com.br

Feres Lourenço Khoury

Feres Lourenço Khoury





Feres Lourenço Khoury, nasceu em 1951, é de São Paulo.
Foi gravador, professor, arquiteto. Forma-se em arquitetura pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo - FAU/USP, em 1979.
Defende doutorado em poéticas visuais na Escola de Comunicações e Artes da USP - ECA/USP, em 1997. Leciona na FAU/USP, na Faculdade Santa Marcelina e na Universidade São Judas Tadeu, entre outras.
Em seu período de formação artística, freqüenta os ateliês de Luís Dotto,
Renina Katz (1926), Sérgio Fingermann (1953) e Rubens Matuck (1952). Em 1979, funda com Matuck, Luise Weiss (1953) e Rosely Nakagawa (1954) a Editora João Pereira, com o objetivo de lançar gravuras originais de tiragem limitada. Publica pela editora os álbuns 11 Gravuras, 1979, 5 Litografias, 1981, Círculo das Coisas, 1982, 5 Xilogravuras, 1988, e Álbum Comemorativo, 1989.
Começa a participar de mostras coletivas em 1973, na exposição dos alunos da FAU/USP. Em 1974, expõe na Trienal Latino-Americana de Grabado, realizada em Buenos Aires, e intensifica a exibição de seus trabalhos a partir de fins dos anos 1970. Recebe o 1º prêmio da 8ª Mostra de Gravura da Cidade de Curitiba, em 1988. É contemplado com a Bolsa Vitae de Arte/Gravura em 1996.
Interessante ver as características de sua obra na visão de críticos:
"Feres Khoury escolheu caminhos árduos para seu projeto artístico. Elegeu o desenho e a gravura; e da gravura, a calcografia. É com a ponta-seca que, riscando a placa de cobre, Khoury constrói seu imaginário. A escolha da ponta-seca não é arbitrária: ele precisa da rebarba do sulco que a ponta-seca produz para obter o máximo de densidades tonais aveludadas. Sendo a ponta-seca uma técnica direta que dispensa ácidos e outros elementos intermediários, o gravador a utiliza como ferramenta principal e com ela extrai todas as riquezas gráficas. É o que existe de mais econômico e direto (ao lado da xilogravura) no que diz respeito aos meios técnicos. Por isso mesmo é uma técnica que elimina qualquer diletantismo. Feres Khoury trabalha com escalas de luz e sombras. O preto e o branco. É aí que começa sua aventura gráfica. A superfície branca não é um vazio oco ou um fundo deixado pela mancha negra; é o seu contraponto. Ambos, o preto e o branco, são valores absolutos e essenciais. Os valores intermediários, os cinzas requintados, preparam as passagens do preto para o branco (e vice-versa) sem, entretanto, criar a noção clássica do claro-escuro. As linhas determinam direções e tensões e as superfícies negra e brancas estruturam o espaço em que não comparecem arabescos ou elementos decorativos como agentes de interesse visual. O negro dominante intenso e denso cria um aveludado táctil de grande sensualidade. O jogo preto-branco estabelece uma dualidade rica de possibilidades expressivas. Feres Khoury leva estas possibilidades ao limite extremo. A gravura brasileira com Feres Khoury continua garantindo o alto nível pelo qual é reconhecida no mundo inteiro".
Renina Katz
KATZ, Renina. [Texto da orelha do livro]. In: KHOURY, Feres Lourenço. Feres Lourenço Khoury. Apresentacao Sérgio Miceli. São Paulo: Edusp, 1995.

"Das artes de Feres Khoury, a reflexão elege a gravura. Paradigmática, esta tem a eminência que, na maior parte dos artistas, é ocupada pelo desenho. Não se separando das demais artes, a gravura, indicialmente, emprega o léxico da pintura quando deseja afinar algum conceito; mais, tal realce não se obtém com recurso exclusivo ao aspecto técnico, não estando cortado o diálogo da ponta-seca com as outras artes. O primado da reflexão na gravura encontra-se alhures, na história artística de Feres Khoury, em quem os processos gráficos ora se travam, ora se distendem: no espasmo, afasta-se uma historicidade feita de identidade artística, não se reduzindo a seqüência, por discreta e intensiva, a modalização do Mesmo. Abandonando-se a história das radiações de foco, ganha-se outra, que distingüe a materialidade dos processos que enlaçam a própria reflexão. São muitas as relações em que a gravura aparece diferenciada, destacando-se as que articulam as dimensões do suporte e as distâncias da contemplação, pólos que resumem feixes de outras, todas elas convergentes com a temporalidade. A parede e o álbum distingüem a visão longínqua da propínqua, horacianamente, particularizando-se a seqüência histórica da gravura, tanto da ressaltada em madeira quanto da cavada em metal. Principiando aquela em 1976, esta começa em 1991: as duas técnicas apresentam-se, não em continuidade, mas segundo clivagem, de modo que, além da posição do espectador e da dimensão da obra, também aquilo que se figura sofre, no tempo, ruptura. Nessa historicidade, em que duas continuidades aparecem cindidas, encena-se a biografia de Feres Khoury, que artista nela ora desliza, leve, ora pasma, reticente. Tudo começa em 1976, com álbuns de pequenas dimensões editados por João Pereira, a reunir gravuras de Luise Weiss, Rosely Nakagawa e Rubens Matuck às de Feres Khoury. As gravurinhas tendem a crescer, mantendo-se inicialmente ligadas às coisas que a natureza-morta classifica. A proximidade da visão toca o objeto pequeno a ponto de qualificá-lo de manuseável, tatilidade de xilogravura que se imprime continuamente até 1991, quando se debilita, intermitente, frente ao cobre e à ponta-seca que a substituem como continuidade emergente. Com o metal, aumenta o formato da gravura, que, indo para a parede, sai do álbum e faz a visão recuar; mais, o leque aberto de ferramentas, goiva, formão, buril etc. , fecha-se na ponta-seca, revezando-se a tatilidade da visão próxima da xilogravura e a opticidade da longínqua calcografia. No deslocamento, a coisa é substituída pela forma. Enquanto a caixa de ferramentas xilográficas facilita a consecução de resultados variados e abundantes que pendem da coisa, acolhedora tanto de expressões efusivas quanto de representações analíticas, a ponta-seca, sozinha, é rígida e simples, exigente de gesto disciplinado, riscado de minimalismo: é, pois, como disciplinadora do gesto que a ponta-seca opera exemplarmente. Metonímia da gravura, ela determina a reflexão como disciplina que, estética, não implica ética de ascetismo: figuram-se nos metais de Feres Khoury formas tirantes ora aos Beatos do Apocalipse, ora às mais elementares geometrias. Instaura-se, assim, o signo, não o vicário que analisa a representação, mas o superpleno que se hieratiza. O signo não é instrumento que decompõe a coisa em seu significado, pois integra a simplicidade cheia da forma, iluminada na dimensão do sagrado. Na seqüência exposta, o negro é intangível, aura de cosmo como mundo e beleza, pura luz, que a gravura incita a, reflexiva, fazer contemplar".
Leon Kossovitch
KOSSOVITCH, Leon. Feres Khoury. In: GRAVURA: arte brasileira do século XX. Apresentação Ricardo Ribenboim; texto Leon Kossovitch, Mayra Laudanna, Ricardo Resende. São Paulo : Itaú Cultural: Cosac & Naify, 2000. p. 140.

Aqui algumas de suas obras:









Duplo, 1993






sem título, 1999




sem título, 1994






sem título, 1999









sem título, 1997









sem título, 1995





Percurso, 1998









Kinematógrafos, 1999-2000








In Absentia, 1990








sem título, 1996








sem título, 1991








In Absentia, 1990





In Absentia, 1991







Portas, 1992








sem título, 1994










sem título, 1995






(postado por Iris n°10, 6ªD)

Arthur Luiz Piza








Arthur Luiz Piza








Nasceu em São Paulo, Brasil em 1928Vive e trabalha em Paris desde 1951 Piza, como é conhecido no Brasil, é um dos grandes artistas brasileiros que verdadeiramente conquistou fama, espaço profissional para crescer enquanto artista pensador e realizador de suas próprias criações, e obteve um reconhecimento sólido no Exterior.Morando na França, em Paris, desde a década de cinqüenta, desenvolveu seu trabalho inicialmente como gravador e conquistou inúmeros prêmios de alta significação, inclusive na Bienal de Veneza de 1966. Atualmente realiza paralelamente às suas refinadas pesquisas na gravura, um trabalho de peças únicas onde o relevo, a luz, as sombras projetadas, as cores delicadas ou contrastantes, coladas em superfícies suspensas, cortadas em papel, metais, tecidos ou outros materiais redimensionam o universo do artista com uma poética própria.Uma poética que é uma linguagem criada, onde a tridimensionalidade e a sugestão de fragilidade são importantes, acrescentando novos elementos organizadores do espaço efêmero, porque orientam e surpreendem o olhar pelas modificações sutis da incidência de luz, nas alterações provocadas pelo ambiente e também pela posição cambiante do observador.Agrega também a essa nova experiência plástica, o rigor e o "savoir-faire" da gravura, que executa magistral e pessoalmente em talho direto, sem o auxílio de ácidos, com suas minúcias e sutilezas prazerosas, e recria assim uma espécie de aventura inusitada e original de jogos visuais onde há uma "musicalidade" envolvente, pelo ritmo das formas e das cores. E essa percepção e prazer são então exclusivos de quem observa e desfruta sua arte. Arthur Luiz Piza é um artista-poeta, um sábio que inspira a confiança e a inteligência, na sua conversa divertida e calma, transmitindo sensibilidade de precisão aguda quando diz... "que nunca vê figuras quando observa uma escultura, uma pintura ou uma gravura, que antes vê, com mais facilidade... a abstração ali presente, as formas, as cores, os volumes, a luz, e que assim é possível perceber melhor, de maneira mais plena, o universo que é sugerido pela obra de arte..."
Referências: A gravura brasileira contemporânea (Expressão e Cultura, 1966), de José Roberto Teixeira Leite; A criação plástica em questão (Vozes, 1970), de Walmir Ayala; Arte como medida (Perspectiva, 1982), de Sheila Leirner; História geral da arte no Brasil (Instituto Walther Moreira Salles/Fundação Djalma Guimarães, 1983), coordenação de Walter Zanini; Entre dois séculos: arte brasileira do século XX na coleção Gilberto Chateaubriand (JB, 1987), de Roberto Pontual; Cronologia das artes plásticas no Rio de Janeiro: 1816-1994 (Topbooks, 1995), de Frederico Morais; Arte construtiva no Brasil: coleção Adolpho Leirner (DBA, 1998), coordenação editorial de Aracy Amaral; Gravura: arte brasileira do século XX (Itaú Cultural/Cosac & Naify, 2000), de Leon Kossovitch, Mayra Laudanna e Ricardo Resende; Arthur Luiz Piza (Cosac & Naify, 2002).Arthur Luiz Piza nasceu em 1928 em São Paulo, onde teve seu primeiro contato com as artes. Nos anos 40, estudou pintura e afresco com Antonio Gomide. Mudou-se em 1951 para Paris, onde passou a trabalhar no estúdio do mestre da gravura Johnny Friedlaender. Piza logo se tornou um especialista em todas as suas técnicas. Abandonou as mais tradicionais e desenvolveu uma técnica exclusiva de gravar nas placas com martelos e cinzéis de diferentes formatos. Entre 1951 e 1963, participou das Bienais de São Paulo; em 1959, da Documenta de Kassel, e em 1966, da Bienal de Veneza, ganhando o prêmio de gravura. Seu trabalho encontra-se nos acervos dos principais museus do mundo, como o Museum of Modern Art (MoMA) e o Guggenheim Museum, em Nova York, a Bibliothèque Nationale de France e o Musée National d’Art Moderne Centre Georges Pompidou, em Paris. No Brasil, seus trabalhos estão, por exemplo, no Museu de Arte Contemporânea e no Museu de Arte Moderna, ambos em São Paulo. Em 2002, a Pinacoteca do Estado organizou uma importante retrospectiva e a editora Cosac Naify lançou um catálogo de seus relevos desde 1958. Em outubro de 2008 realiza uma exposição individual no Gabinete. O Gabinete de Arte Raquel Arnaud representa o artista desde 1973.
Referências: A gravura brasileira contemporânea (Expressão e Cultura, 1966), de José Roberto Teixeira Leite; A criação plástica em questão (Vozes, 1970), de Walmir Ayala; Arte como medida (Perspectiva, 1982), de Sheila Leirner; História geral da arte no Brasil (Instituto Walther Moreira Salles/Fundação Djalma Guimarães, 1983), coordenação de Walter Zanini; Entre dois séculos: arte brasileira do século XX na coleção Gilberto Chateaubriand (JB, 1987), de Roberto Pontual; Cronologia das artes plásticas no Rio de Janeiro: 1816-1994 (Topbooks, 1995), de Frederico Morais; Arte construtiva no Brasil: coleção Adolpho Leirner (DBA, 1998), coordenação editorial de Aracy Amaral; Gravura: arte brasileira do século XX (Itaú Cultural/Cosac & Naify, 2000), de Leon Kossovitch, Mayra Laudanna e Ricardo Resende; Arthur Luiz Piza (Cosac & Naify, 2002).Obras em Espaços Públicos:
Biblioteca Nacional, Paris, França.Galeria Nacional de Arte Moderna de Roma, Itália. Instituto de Arte de Chicago, EUA.Museu Albertine (graphische sammlung).Museu de Arte Contemporânea de São Paulo, Brasil.Museu de Arte de Lodz, Polônia.Museu de Arte Moderna da Cidade de Paris , França.Museu de Arte Moderna de Belgrado.Museu de Arte Moderna de Nova York, EUA.Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro , Brasil.Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil.Museu de Arte Moderna de St. Etienne, França.Museu de Arte Moderna, Centro Georges Pompidou, Paris, França.Museu de Portland,Oregon, EUA.Museu de Saarland, Alemanha.Museu do Homem, Sarrebruck.Museu Guggenheim, Nova York, EUA.Pinacoteca do Estado, São Paulo, Brasil.Victoria and Albert Museum, Londres, Inglaterra.
http://www.raquelarnaud.com/artistas_main.asp?artistaId=6
http://www.sp-arte.com/artistas/index.php?action=mais&abc=ABC&id=404&nm=Arthur%20Luiz%20Piza



Principais Obras:











Avenir Certain, 1994, gravura em metal, 28,5 x 26cm














Avenir protable, 1994, gravura em metal, 28,5 x 26cm












A-48, relevo em metal sobre sisal, 30 x 25cm











A-96, 1983, relevo em metal sobre tapete de sisal, 30 x 20cm











· En se separant, gravura em metal, 54 x 42cm






















(postado por Letícia P. n°16, 6ªD)

quarta-feira, 3 de junho de 2009

Manifesto

Alessandra, Iris, Isabella, Leticia A., Letícia P., Marina, Talita (6a. série D)